화이트 큐브에서 벗어난 현대 미술 전시 공간

현대 미술 갤러리의 '화이트 큐브'에 들어서는 것은 일종의 경계 상태에 들어서는 것과 같다. 작품들은 외부 세계의 소음에서 벗어나 맥락 없이 떠 있는 듯 보인다. 이 용어는 1976년 비평가 브라이언 오도허티의 'Inside the White Cube'라는 세 부분으로 구성된 아트포럼 에세이를 통해 미술계에 등장했으며, 이러한 공간의 확산은 현대 미술의 부상과 함께 진행되었다. 비엔나의 세제션 빌딩은 19세기 말 화이트 월을 도입한 주요 장소 중 하나로, 1929년 뉴욕에서 개관한 현대 미술관의 초대 관장 알프레드 바르가 이 색상을 표준화하는 데 기여했다. 이러한 디자인은 거의 한 세기 후에도 여전히 정통성을 유지하고 있으며, 그 이유는 이 큐브의 중립성이 관객의 주의를 작품에만 집중하게 하여 깊은 반성을 가능하게 하기 때문이다.

런던 북서부에서는 칠리 갤러리의 창립자 오브리 히긴이 이전 일본 레스토랑에서 두 개의 전시 공간을 만들었다. 지상층은 더 전통적인 공간으로, 큰 면적과 창문 벽이 특징이다. 반면, 타일로 된 미로 같은 지하층은 더 독특한 큐레이터의 놀이터를 제공한다. 칠리의 부관장 맥스 럼볼은 'Split Studies'라는 전시에서 윌라 코시누케의 테셀레이션 회화가 지하의 불협화음적인 표면과 상호작용했다고 전했다. 이 전시는 관객들이 집에서 작품을 감상하는 것이 화이트 큐브에서 감상하는 것보다 훨씬 편안하다고 느끼게 한다는 파크의 의견을 반영한다.

프랜시스 갤러리의 파크는 로스앤젤레스 멜로즈 애비뉴에 위치한 영구적인 공간을 두고 있지만, 그녀는 최근 자신의 스페인 식민지 스타일의 집에서 여러 전시를 개최하며 주거 공간에서의 전시 개념으로 잘 알려져 있다. 그녀는 고 리처드 노이트라의 현대적 VDL 리서치 하우스에서 존 자바와의 회화를 전시하기도 했다. 이러한 주거 공간에서의 전시는 미술계의 고향으로 돌아가는 듯한 느낌을 준다. 17세기 네덜란드 황금 시대에는 중산층이 부상하면서 가정에 예술을 채우는 일이 일반화되었다. 화이트 큐브가 오늘날 많은 갤러리와 기관에서 작품을 전시하는 기본 방식이지만, 예술은 항상 이 모델 밖에서도 존재해왔다.

팬데믹 이후, 예술을 스크린을 통해 소비하게 된 상황은 갤러리들이 더 참여적인 관계를 원하게 만들었다. 키앙 말링의 남편 아내 듀오가 2022년 홍콩의 60년대 테넌트 빌딩을 새로운 본부로 변환하기 시작했을 때, 그들은 건물의 역사와 맥락을 보존하면서 새로운 가능성을 모색했다. 두 층의 건물이 제거되어 두 배 높이의 콘크리트 갤러리가 만들어졌고, 전통적인 화이트 큐브 공간도 포함되어 있다. 이러한 요소들은 현재의 기대에 부응하기 위한 균형 잡힌 노력을 반영하고 있다.

Source: artsy.net